О скорости работы на пленере. Kunstitarbed

Выезжая на пленер, я обычно расчитываю на то, что в день сделаю 2-4 этюда. Конечно дело не в количестве работ и не в скорости, но в любом случае времени для работы на природе обычно не так много.. то дождь начнётся, то погода и освещение резко изменится и поэтому вопрос скорости и некоторого навыка, который позволяет уловить и передать основное в течении 2-4 часов важен.

Рассмотрим основные моменты, которые позволяют писать пейзаж продуктивно:

Представление. Перед там как преступить к работе, в голове уже должен сложится определённый Художественный Образ – Представление того, что вы будете делать и как вы это будете делать. Этому помогает предварительный этап слияния с природой.. надо почувствовать себя её частью, немного самому вписаться в окружающее, чтобы понять настроение и состояние природы как бы изнутри. Думаю, что это главное в работе над пейзажем, так как это даёт основное понимание и открытие того, что просто смотрением на природу заметить не удастся. Более подробно философию этого я уже рассматривал.
Материалы для работы. Основание – холст, ДВП или картон должен быть хорошо загрунтован и не сосать в себя масло. Надо определиться с форматом основания для данного конкретного пейзажа. Берите с собой несколько широких, несколько средних и несколько узких кистей, как грубых и упругих, как и мягких. Вообще, чем лучше вы оснащенны, тем лучше… краски, ветощь, разбавитель (тройник), фотоаппарат, чай… и так далее.
Начало. Допустим, что мы определились с композицией (большая тема для размышления и ранее уже была описана). Будущую картину лучше закладывать широкой, упругой кистью, беря на кисть сразу хорошую порцию краски, чтобы все поры основания сразу заполнялись. Закладываем небо и дальный план. Пока не надо уточнять и пописывать детали… сейчас мы создаем общую атмосферу пейзажа и решаем вопросы воздушной перспективы.
Средний и передний план. Здесь закладываем основные цветовые массы, пока обобщённо, но и нужно чувствовать общую композицию цветовых масс, их соотношение, их сочетание, как они в общем ведут и направляют (или будут направлять) взгляд зрителя. Зритель невольно пойдет по вашей проторенной пониманием торопинке. Ничего хаотичного. Наслаждаемся Цветом и Тоном и решаем эти задачи именно сейчас. Я стараюсь сразу попасть в тон, но зачастую это не получается… потом обычно вношу коррективы. Тут главное не боятся, что то менять и искать. Вообщето вопросы тона надо будет рассмотреть как нибудь подробно… хотя о нем и написано много, но видно, что очень многие так и не понимают , что такое тон. Особенно когда речь идёт о тоне в цвете. С черно – белой графикой таких проблем нет… всем всё ясно, но как только начинаю подсказывать, что в пейзаже тон чего то надо усилить или ослабить, то тут сразу вопрос…".. а что это такое тон? ". И так, если всё сделано правильно, то где то через полчаса-час на холсте уже не осталось пустого белого места…

Уточнение… Уточняем, корректируем, анализируем результат, вносим поправки или что то переписываем. Лучше определяемся со своим намерением и Представлением.
Читаемость. Живопись это Письмо. И оно должно быть Читаемо. Это ваше послание. Можно сказать, что Живопись это Чувство. Чувство Единства, чувство Композиции, чувство Контраста, чувство Линии, чувство Соотношений, чувство Тона… и много чего… и в этом можно и нужно постоянно развиваться и нет предела совершенству. Чем лучше развиты эти чувства и чем лучше освоены навыки передачи их в материале, тем лучше будет ваше письмо, тем приятнее его читать…. А читают зрители как ни странно тоже чувствами… :)
А теперь вернёмся к теме… если последовательность работы ясна, то представляя, как это будет читаться мы и исходим из этого. Например – зелённое чуть разных тонов относительно друг друга нечитаемо. (вернее читаемо, но только для специалистов-дегустаторов :) ). А вот светло зелённые будут хорошо читаться на темно зеленый, синих, красных и т.д. Думаю, что мысль ясна – закладывая основные цветовые массы, вы должны Уже Представлять какие основные герои вашего произведения на них будут жить и насколько они будут выразительны.
Главные герои. Теперь берём более узкие кисти и пишем наших главных героев.. берёзки, кедры, тополя… пеньки, кустики и всё то, что будет нашим главных содержанием. Есть такое правило – надо продвигаться от общего к частному. Ему и следуем. Честно скажу, что я придерживаюсь другого правила. Что я в данный момент понимаю и рождается решение для этого, то я и пишу… чисто импровизация. То могу начать с частного, то с общего… так и балансирую, соотношу их между собой. Я выбрал для себя срединный путь между этим. Для меня что главный герой, что мир в котором он живёт и создаёт равноценны. Поэтому учимся находить все взаимосвязи, все соотношения в картине.
Мастихин. Его использование на этом этапе помогает не просто быстро заложить нужную цветовую массу и форму объекта, то и создать хорошую фактуру, что визуально работает также и на воздушную перспективу. Им же вношу самые светлые места в картине.
Детали. Если всё сделано правильно, то в принципе этюд уже должен смотреться законченным именно как этюд и чрезмерная работа над деталями вроде как и не важна. Но я думаю иначе и благодаря этой последовательности работы, всё получилось достаточно быстро и обычно есть время для вкушения нюансов и уточнением деталей. Те, кто любит прописывать детали также не в мастерской, а на месте, могут на заключительном этапе использовать вот такой приём. Нужна будет упругая, часто старая кисть… делаем их неё трезубец, вырезая ножницами лишнее.
Небольшим прикосновением к холсту она создаёт сразу несколько маленьких мазков и ею удобно быстро писать цветы, колоски, листики и ещё много чего.. внося такие нужные и вкусные детали. С размеров и формой этой спец-кисти можно поэкспериментировать и эффективность не заставит себя ждать. Поверте, это намного лучше, чем например однёрочкой на дальнем плане выписывать все листики